la suerte suprema

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Pepe Bienvenida / La suerte suprema

lunes, 9 de noviembre de 2026

Los Tres Monos Sabios / por Ignacio Ruiz Quintano


Ignacio Ruiz Quintano / Abc
Las tribulaciones de Mbappé en China han hecho que el Clásico pasara como una tormenta. La autocrítica, recordaba en su día Fueyo, fue una de las técnicas predilectas de la administración mandarinista: todo mandarín debía redactar cada cinco años una lista o confesión escrita de las faltas cometidas por él, por las cuales era luego castigado. Y describía la tradicional institución de los Ko-lao: 

“Toda autoridad tenía a su lado un observador silencioso, un censor, cuya función única era, como la de los historiadores, revisar todas las actas. Estos hombres se llamaban Ko-lao; eran muy respetados y temidos; eran también inamovibles y ejercían una severa inspección sobre todo cuanto concierne al gobierno, sobre el despacho de los asuntos y la conducta privada de los mandarines, dando noticia de todo directamente al Emperador”.

En España los profesionales que viven de llamar “dictador” al general ferrolano, creador del actual Estado español, fingen desmayarse porque Mbappé habría llamado dictador al protagonista del “Pequeño Libro Rojo”, creador del actual Estado chino. Y hay tal cantidad de “leures” en este juego que lo único que podría hacerse sería buscar el “cui prodest” del escándalo, cosa que no vamos a hacer, y nos conformamos con tomarnos el caso como un recuerdo del futuro que ya está aquí, en el que los contemporáneos de Mbappé hemos de obrar como los Tres Monos Sabios, Mizaru (“No ver”), Kikazaru (“No oír”) e Iwazaru (“No decir”). Exactamente igual que cuando oímos que el sexagenario Flick, ganador de dos ligas tebanas, es un entrenador “in”, siendo incapaz en ese tiempo de aprender a decir en español “de mica en mica s’omple la pica”, y que el sexagenario Mou, que se marcó un Capablanca en el Clásico (desdeñar las aperturas y a dominar los fines de partida) es un entrenador “out”.

–El ajedrez –dijo Richard Burton (el traductor, no el actor)– es un juego erótico: todo consiste en poner horizontal a la reina.

Se consiguió merced a una jugada de Camavinga, a quien los piperos querían vender en verano para traerse a Rodri (por más del doble de lo que costó Cristiano, único futbolista, por cierto, que ha felicitado a Kane por su Balón de Oro), cuya forma de repartir balones en los partidos como un utillero en los entrenamientos los tiene fascinados. Camavinga, que llegó como una mezcla de Seedorf y Redondo (imagen de Hughes que luego haría suya el Uclés de Sangenjo), grabó en el Campo Nuevo una jugada tan “icónica” (para que se nos entienda entre el piperío), con remate de Mbappé, como la de Redondo en Old Trafford, con remate de Raúl, salvo que a Redondo lo aplaudieron los ingleses y a Camavinga los culés le pegaron un palazo de bandera, como en una fantasía de Bono, aquel ministro. También para el recuerdo, el virtuosismo houdinesco de Diomandé encerrado contra tres en la línea de cal: bombeta pirotécnica, caño a Lamine’2030 y tocata y fuga del chico de los ciento veinte millones, que era el dinero que los piperos tenían guardado para fichar a Zubimendi. Atronador ha sido el silencio mediático sobre la virguería de Diomandé, en contraste con el bombo (y el platillo) del periodismo sobre la virguería (una no-rabona, o rebote editado en montaje televisivo) de Lamine’2030 ante el Galatasaray. Tampoco se ha hablado mucho del regate de Camavinga a Cubarsí, el Franco Baressi de la Modernidad. En resumen, un Clásico donde el árbitro sólo deseó suerte a los del Barsita, donde el revolucionario Flick planteó una partida de brisca, mientras el obsoleto Mou prefirió tirar del librillo del ajedrez. En visión de nuestro orate Félix Martí Ibáñez, psiquiatra exiliado (¡éste sí!) a los Estados Unidos, donde escribió cosas graciosísimas:

–Darle jaque mate al rey opuesto en ajedrez equivale a castrarlo y devorarlo, haciéndose los dos uno solo en un ritual de homosexualismo simbólico y comunión canibalística.

Leídas las crónicas, el mérito no fue de Mou, sino de los revistosos del puchero, que le dijeron cómo jugar, razón por la cual los cronistas están comiéndose los mocos en un podcast, y Mou, ganando sus buenas perras en el banquillo de Chamartín.

[Sábado, 31 de Octubre]

Aquellos sesenta… (XXXVI) / por Jorge Arturo Díaz Reyes


Diego Velásquez, autorretrato, 1650. Museo de Bellas artes de Valencia. 

“Pintaba lo que le ponían por delante, como ciertos toreros poderosos torean lo que les echen: y lo que sale al otro lado de la muleta no es ya un Miura ni un Pedrajas, sino un Domingo Ortega. Es decir que no es un rey ni una venus, sino un Velásquez.”

Aquellos sesenta… (XXXVI)

Jorge Arturo Díaz Reyes
CrónicaToro.com / Cali 9 XI 2026
Editado por Mario Jursich, circula un libro póstumo de Antonio Caballero. “Mientras pasaba por ahí”; antología de sus escritos sobre arte. Entre muchos temas, el relato de su visita a la exposición de pintura española en la National Gallery de Londres 1981.

Cincuenta cuadros; trece Murillos, a propósito de quien, cita una vieja carta del estadista y escritor inglés Benjamín Disraeli: “Por primera vez en mi vida sé lo que es un gran artista: ¡Murillo, Murillo, Murillo!”. Además de siete Grecos, un considerable número de Goyas y Zurbaranes, Riberas, Carreños…, y sobre todos Velásquez, de quien dice:

“Pintaba lo que le ponían por delante, como ciertos toreros poderosos torean lo que les echen: y lo que sale al otro lado de la muleta no es ya un Miura ni un Pedrajas, sino un Domingo Ortega. Es decir que no es un rey ni una venus, sino un Velásquez.”

Caballero que fue cultor, profundo y reflexivo de la pintura y el toreo, se disculpaba inmodestamente cuando escribía sobre ellos —Yo no soy un experto, ni un crítico, ni siquiera un gran aficionado, yo lo que hago es literatura. —Otro arte. Sin embargo, en ese párrafo cuela, en la misma metáfora, una docta definición de sus dos artes amadas. Lo que sale al otro lado de cada una de ellos (pincel, y muleta), es una subjetiva transformación de la realidad. Ahí quedan, el cuadro de…, la faena de...

El asunto es que toda definición, detiene tiempo y circunstancia, y por tanto queda insuficiente ante lo definido, e insuficiente ante su pretendida generalización. Cada cosa es cada cosa en su momento. Respecto al arte de torear; transformación de un toro, el que les echen, en una obra con la impronta personal del artista, debe contar por supuesto, con el espectador y su percepción, sin el cual no se completa el hecho estético. Lo cual multiplicas sus posibles valoraciones y definiciones al infinito.

De otra parte, la metáfora, que modela un viejo aserto de aficionados; puede resultar pertinente, graciosa, literaria, más no justa. Eso no lo ha conseguido nadie siempre. Ni Velásquez, ni Domingo Ortega, ni ninguno de los otros “ciertos toreros poderosos” con quienes les compara. Si acaso ellos algunas veces, frecuentes como mucho, nunca siempre. De no ser así, el arte sería como las cintas de producción industrial: Sale un Ford, un Mercedes, un Toyota…

Otra cosa es que el consumidor aculturado piense que todo Velásquez con su firma valga por obra genial, a precio de ella, y que se podría pagar el invaluable autógrafo, solo por placer de posesión, u oportunidad de negocio. Como los que compraban una boleta para ver a Domingo Ortega y se sentían con el derecho de exigirle todas las veces, a cada muletazo, que convirtiese el Miura o el Pedrajas en un Domingo, pues pagamos y exigimos.

Eso no es problema de Caballero, gran escritor, es del lenguaje, del arte, de la biología. Definimos como podemos, porque nuestros medios no nos permiten una más precisa manera de referir la infinita realidad interior y exterior. De no ser así el conocimiento, la ciencia, se detendrían, no tendrían razón de ser. Mientras tanto, se les pone nombre a las cosas para no tener que señalarlas con el dedo, y se cuenta, se pinta, se torea como se hace, aunque lo contado, lo pintado y lo toreado no quepa todo en las palabras, las pinceladas o las suertes. Qué, al fin y al cabo, aún expresadas por genios, percibimos cada uno a nuestra manera, según nuestro condicionamiento cultural. Necesario para ser parte del rebaño, pero siempre corto en el acercamiento a lo que nos llega.

Llevado por estas lecturas caballerescas vuelvo al toreo de los sesenta, cuando coincidieron tantos poderosos lidiadores que, no obstante su potencia, vivieron por igual momentos de apoteósis, intrascendencia y hasta humillación con los toros que les echaron. No digo Domingo Ortega, porque a ese ni Caballero ni yo lo alcanzamos a ver torear.

La belleza, la estética, y los valores del arte, como las palabras y las definiciones no son más que eso, convenciones temporales, acuerdos culturales, y como tales económicos en últimas.

Valores que van en alza con la prosperidad y el mecenazgo, y a la baja en la penuria y el desamparo. Miseria y arte no la van, pese a que no pocos de sus grandes creadores hayan surgido en ella y algunos hayan muerto sin abandonarla, sin ser estimados o ni siquiera conocidos, por no decir que solo bien alimentados en su tiempo.

Paradójicamente, las valoraciónes mayores de sus obras, a veces astronómicas, ha sido adscrita no a sus épocas de necesidad, o “crisis económica”, sino a las de mercado boyante y riqueza. La oferta y la demanda de obras, (faenas) es lo que las acredita y monetiza la firma. El arte mercancía.

Por supuesto, las estacionarias floraciones, cosechas artísticas, son siempre diversas, abigarradas y los guardianes del interés común se van encargando de acuerdo con sus necesidades, conveniencias e inclinaciones también temporales (modas), de ir separando a su criterio las flores del bien y del mal. Abonándolas o arrancándolas. Luciéndolas o censurándolas. Aprobándolas o prohibiéndolas. Alabándolas o quemándolas. Entronizándolas o destruyéndolas…, a ellas y a sus autores.

Siempre. Igual en las primaveras estético-económicas del Egipto faraónico, la Persia Aqueménida, la Grecia clásica, la China de los Tang Son, la Roma imperial y la papal, el México de aztecas y mayas, la Inglaterra de los Tudor, la España de los Hagsburgo, la Francia de los Borbón, la URSS de Stalin…, y hoy, en la aldea global, quien maneja “el algoritmo” maneja la hoguera que ilumina o incinera el arte.

Al ritmo de la moda, que puede ser pasajera, estacionaria, clásica…, pero no eterna. Somos contingentes; los gustos, las generaciones, la sociedad, la especie, la tierra, el sistema solar, la Vía Láctea… Cuando todo esto haya desaparecido a quién va a importar la minifalda, la Mona Lisa o el capote de Curro.

Mientras tanto sí. El arte de todos, carácter humano diferencial, acusa la meteorología del dinero. Sobrealimentación en épocas de abundancia, y flaqueza en la penuria. Estilos, como el manierismo, el barroco y el churrigueresco, reacciones al realismo renacentista, que campearon entre el siglo XVI y el ilustrado XVIII. Lapso en que las riquezas naturales y la esclavitud fluían de América y África, y los imperios europeos y sus nuevas fortunas indianas prosperaban.

Tras “la ilustración” y las revoluciones democráticas (Inglaterra, EEUU, Francia) con su paradójico neoclasicismo, aquellos estilos fachendosos, a trueque de morir retrocedieron, se mimetizaron, pero no desaparecieron, y aún flotan en el pintoresco gusto de los constantes recién opulentos, y en la corriente fusionista posmoderna, que pasó del siglo XX al XXI. Gusto zaherido por Borges: “el lujo es cursi”. Tanto más cuanto más repentista la fortuna que lo paga.

Fue en esa etapa transicional dieciochesca cuando se fraguó y nació la corrida moderna. Liturgia barroca por donde se le mire. Cuerpo y alma de majería, que hoy orna el culto sacrificial, y que tuvo una de sus más espléndidas épocas en aquellos sesenta del siglo XX.

Al término de los cuales, el primero de enero de 1970, me viene como ejemplo, Paco Camino, poderoso ídolo, se llevó una feroz bronca de año nuevo en Cali, pues quizás apremiado por tomar un vuelo de regreso a España (una de las infinitas variables), no pudo como tantas otras veces, lograr que al otro lado de su muleta el cuarto Vistahermosa saliera convertido en un “Camino”. En cambio, fue José Fuentes, quién sí lo hizo esa tarde, con primor y gloria.

Madrid celebra su patrona Ntra. Sra. de la Almudena

'..La presente festividad de La Almudena, 9 de noviembre de 2026, es además la efeméride 941 de esta celebración. Nuestra Señora de La Almudena, patrona de Madrid, lo es desde el año 1085, cuando el rey Alfonso VI encontró la imagen de la Virgen entre la muralla árabe de la ciudad, tiempo después de reconquistarla..'

La Almudena, la centenaria reliquia que debe su nombre a la ocupación musulmana de Madrid.

La presente festividad de La Almudena, 9 de noviembre de 2026, es además la efeméride 941 de esta celebración. Nuestra Señora de La Almudena, patrona de Madrid, lo es desde el año 1085, cuando el rey Alfonso VI encontró la imagen de la Virgen entre la muralla árabe de la ciudad, tiempo después de reconquistarla. De hecho, las raíces de la Madre de los madrileños, venerada durante más de un mileno, remiten a la ocupación musulmana de la capital, entonces Mayrit (Magerit para los cristianos). Su nombre, Almudena, así como la ubicación de la catedral homónima, tienen que ver con aquella pequeña urbe usurpada durante siglos.

Por seguir un orden, empezaremos por la explicación nominal de la advocación y su constitución como patrona. Su origen es Al-Mudayna, que en árabe significa «la ciudadela». Esto no quiere decir que sea un culto musulmán, sino que su concepción actual tiene que ver con su hallazgo, que fue en los muros que protegían a esa ciudadela: Mayrit. Este perímetro pasaba por el espacio en el que hoy se eleva la Catedral de La Almudena; y a su espalda, todavía hoy, se conservan algunas porciones de la fortificación. Así, una vez descubierta por Alfonso VI, la talla fue rebautizada como Nuestra Señora de La Almudena, antes llamada Santa María la Mayor, siendo configurada entonces como la consideramos en la actualidad.

La imagen, considerada la más antigua de la capital, fue recuperada
 por el rey Alfonso VI en el año 1085

No obstante, que el monarca diera con la talla, considerada la más antigua de Madrid, es la consecuencia última de la clandestinidad a la que fue relegada por la presencia árabe en la capital. Si bien esta crónica está a caballo entre la historia y la leyenda, se cree que la imagen de La Almudena (entonces con su nombre primigenio) fue escondida tras la expansión de Al-Andalus, y que fue venerada en secreto, a escondidas de los moros y sin figura, durante generaciones sucesivas; aproximadamente desde el año 700 hasta el descubrimiento definitivo. Igualmente, el mito sobre la Virgen de La Almudena asegura que fue traída a Madrid por un discípulo del Apóstol Santiago (así lo recoge la web Secretos de Madrid) en el año 38, y que desde entonces los madrileños sintieron una devoción única por la reliquia.

Con la idea de que no fuera encontrada por los musulmanes, ante el riesgo inminente de profanación y de muerte para quienes la adoraran, fue escondida en un punto de la muralla de Mayrit. El rey, tras la reconquista, no conocía esta ubicación, por lo que se afanó en recuperarla. Tras múltiples batidas, desesperado, organizó una procesión alrededor de la fortificación, con el objetivo imperturbable de rescatarla y devolverla a los madrileños. Cómo no, el milagro se obró el 9 de noviembre. Así, a la altura de lo que actualmente es la Cuesta de la Vega, dos piedras se precipitaron repentinamente, descubriéndose la imagen de La Almudena. Estaba flanqueada por dos cirios que habían permanecido encedidos durante los dos siglos en los que estuvo oculta; de ahí, dicen, la tez morena de esta imagen.

* * * * *
La leyenda del Cid Campeador y la Virgen de la Almudena

Hay una leyenda que cuenta como una mañana cuando Rodrigo Díaz de Vivar, El Cid Campeador, había salido de Toledo en dirección a Madrid, en compañía de algunos caballeros, se encontró por el camino con un leproso que se había caído en una zanja y pedía ayuda.

Cuando el Cid sacó al leproso de la zanja, observó como éste se convertía en una figura femenina, que resultó ser la Virgen de la Almudena.

Esta singular aparición comunicó a Rodrigo Díaz de Vivar que tomaría Madrid y que incluso ganaría batallas después de muerto. La Virgen de la Almudena le indicó asimismo por dónde debía entrar en Madrid antes de desaparecer milagrosamente.

El Cid, al regresar junto a los caballeros comprobó como éstos se desperezaban de un profundo sueño en el que misteriosamente habían caído ajenos a la aparición de Nuestra Señora de la Almudena.

Esa misma noche, de vuelta en Toledo, Rodrigo Díaz de Vivar salió otra vez camino de Madrid acompañado de sus caballeros. Se apostaron en el lugar indicado por la milagrosa aparición de la mañana, frente a la muralla.

De pronto, observaron con asombro como uno de los cubos se derrumbaba inexplicablemente. El Cid Campeador y sus mesnadas castellanas entraron en la ciudad tomándola por sorpresa.

En ese cubo roto apareció igual de milagrosamente la imagen de la Virgen de la Almudena, que había sido escondida a principios del siglo VIII por un vecino de Madrid temeroso de la llegada de las tropas árabes.
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El vandalismo no es protesta: cuando la calle se convierte en coartada / por Ricardo Rodríguez


'..La democracia no se mide por la cantidad de cristales que permite romper, sino por su capacidad para garantizar que quien quiera manifestarse pueda hacerlo libremente y que quien cometa actos violentos responda ante la ley..'

El vandalismo no es protesta: cuando la calle se convierte en coartada

Una cosa es levantar la voz contra el poder y otra, muy distinta, levantar adoquines contra los derechos de los demás.

Ricardo Rodríguez Fernández
La Razón 08.11.2026
Hay una curiosa perversión del lenguaje político contemporáneo: cuando alguien rompe un escaparate, incendia un contenedor o agrede a un policía durante una manifestación, no tarda en aparecer quien busca una explicación social para lo ocurrido. Como si la indignación concediera una licencia para delinquir. Como si el descontento justificara la destrucción. Pues no. La democracia reconoce el derecho a protestar, pero no el derecho a destrozar. Y convendría recordarlo antes de que terminemos confundiendo la libertad de expresión con la libertad de destrucción.

Lo sucedido el 24 de octubre en Barcelona resulta inquietante. Una convocatoria difundida por las redes sociales desembocó en graves disturbios en el entorno de la plaza de Cataluña. El balance policial habla por sí solo: 128 detenidos, 72 de ellos menores de edad, 23 comercios vandalizados, 33 intervenciones de bomberos por incendios y quince agentes lesionados, cuatro de gravedad. No parecen precisamente los ingredientes de una pacífica reivindicación ciudadana.

Pero hay un dato que debería preocuparnos especialmente: más de la mitad de los detenidos eran menores. ¿Qué está sucediendo para que tantos adolescentes acaben involucrados en semejantes episodios? ¿Qué educación cívica estamos transmitiendo a una generación para la que, en ocasiones, parece importar más la repercusión de un destrozo en las redes sociales que sus consecuencias reales? ¿En qué momento romper escaparates, enfrentarse a la policía o incendiar mobiliario urbano puede convertirse para algunos jóvenes en una forma de diversión, desafío o protagonismo?

Las redes sociales permiten convocar concentraciones en cuestión de horas. Pero también pueden convertir la violencia en espectáculo, donde el destrozo proporciona imágenes, las imágenes generan seguidores y los seguidores alimentan nuevos destrozos. Una inquietante cadena que merece algo más que un encogimiento de hombros.

Y no se trata de un fenómeno exclusivamente español. En Francia, las movilizaciones de ese día reunieron a 410.000 personas, 110.000 de ellas en París, y se saldaron con 1.314 detenciones en todo el país. Ahora bien, sería profundamente injusto identificar a los centenares de miles de ciudadanos que ejercieron pacíficamente sus derechos con quienes aprovecharon aquellas concentraciones para protagonizar actos violentos.

Porque aquí aparece una distinción esencial: no toda protesta desemboca en violencia, ni toda violencia merece ser presentada como protesta. La reivindicación pacífica fortalece la democracia; el vandalismo, por el contrario, lesiona los derechos de terceros y deteriora la convivencia.

Nuestra Constitución es clara. El artículo 21 reconoce el derecho de reunión pacífica y sin armas. Y la TC S 8/2024, de 16 de enero, recuerda que el derecho de reunión no ampara las conductas que, mediante el ejercicio de la violencia contra personas o bienes, desnaturalizan su contenido constitucional. Dicho de manera sencilla: el derecho de reunión protege la protesta, incluso la más incómoda para el poder; lo que no protege es utilizarla como coartada para la violencia.

Nuestro Código Penal contempla los delitos de desórdenes públicos, daños, atentado contra agentes de la autoridad y otras conductas punibles. No necesitamos inventar nuevos delitos ni reclamar penas desproporcionadas. Necesitamos aplicar las leyes existentes, investigar con rigor, identificar a los responsables y garantizar la reparación de los perjudicados. Porque detrás de un escaparate destrozado hay un comerciante que quizá llevaba años levantando su negocio. Detrás de un vehículo incendiado puede haber un trabajador que lo necesita para ganarse la vida. Y detrás de un policía agredido hay una persona cuya integridad física merece exactamente la misma protección que la de cualquier ciudadano.

Resulta paradójico que quienes dicen combatir las injusticias sociales terminen causándolas precisamente a personas que ninguna responsabilidad tienen en aquello contra lo que supuestamente protestan. Curiosa manera de construir un futuro mejor: empezar por incendiar el presente.

Pero tampoco debemos cometer el error contrario: utilizar los incidentes violentos para desacreditar cualquier movilización ciudadana. La responsabilidad penal es individual. Ni todos los manifestantes son violentos ni todos los detenidos son culpables. La presunción de inocencia no desaparece porque las imágenes resulten indignantes. Y la actuación policial debe ajustarse a los principios de legalidad, necesidad y proporcionalidad. La firmeza democrática no consiste en sustituir las garantías por la contundencia, sino en ejercer la autoridad precisamente dentro de esas garantías.

Ahora bien, tampoco podemos resignarnos a que el vandalismo se convierta en una especie de peaje inevitable de las libertades públicas. Las autoridades deben prevenir y perseguir las conductas delictivas. Y las familias, las instituciones educativas y la sociedad deberían preguntarse por qué algunos jóvenes encuentran más atractivo destrozar una ciudad que participar en su construcción.

Conviene recordarlo sin eufemismos y, si se me permite, con algo de retranca gallega: el adoquín no es una enmienda parlamentaria, el cóctel molotov no es un argumento político y el saqueo de una tienda no constituye una modalidad especialmente vehemente de libertad de expresión.

La democracia no se mide por la cantidad de cristales que permite romper, sino por su capacidad para garantizar que quien quiera manifestarse pueda hacerlo libremente y que quien cometa actos violentos responda ante la ley. Eso sí, con todas las garantías. Porque una cosa es levantar la voz contra el poder y otra, muy distinta, levantar adoquines contra los derechos de los demás.

-Ricardo Rodríguez Fernández es Magistrado. Doctor en Derecho

Llenar una plaza no significa haber salvado el toreo / por Sergio Hueso


'..El toreo necesita figuras, pero también nuevos nombres, oportunidades, empresarios capaces de arriesgar, plazas activas y una afición que no dependa exclusivamente de los grandes acontecimientos. Necesita pensar menos en cómo llenar la próxima tarde y bastante más en quién ocupará esos tendidos dentro de diez años..'

POR MONTERA
Llenar una plaza no significa haber salvado el toreo

Sergio Hueso
Hay una imagen que se ha repetido durante buena parte de 2026: plazas abarrotadas, taquillas sin entradas y miles de aficionados buscando una localidad para presenciar una corrida de toros. Una estampa extraordinaria que invita al optimismo y que parecía difícil de imaginar hace apenas unos años.Temporada taurina

Pero conviene no confundir la alegría con la euforia. Ni una buena temporada de taquilla con la solución de todos los problemas del toreo. Los números están ahí. Madrid ha superado el millón de espectadores por segundo año consecutivo, Sevilla ha recuperado una respuesta de público extraordinaria y Málaga ha incrementado sus abonados un 32,3 %. Son datos que merecen reconocimiento. Negarlos sería tan absurdo como utilizarlos para proclamar que la tauromaquia tiene garantizado su futuro.

Porque hay una pregunta que el sector debería hacerse antes de sacar pecho: ¿estamos recuperando aficionados o estamos llenando plazas gracias a determinados toreros? No es exactamente lo mismo.

Morante de la Puebla y Roca Rey han demostrado una capacidad de convocatoria extraordinaria. Han despertado expectación, movilizado a públicos diferentes y conseguido que acudir a los toros vuelva a convertirse en un acontecimiento social. Benditos sean quienes tienen esa virtud. El problema aparece cuando confundimos su tirón individual con la fortaleza de todo un sector.

Porque una cosa es llenar una plaza cuando se anuncia una figura y otra muy distinta conseguir que ese mismo público regrese cuando el cartel no lleva ninguno de esos nombres. Ahí comienza el verdadero examen. Las figuras son imprescindibles. Siempre lo han sido. Pero un sistema que necesita recurrir constantemente a ellas para garantizar una buena entrada también demuestra sus limitaciones.

¿Dónde quedan los toreros que intentan abrirse camino? ¿Qué posibilidades reales tienen los jóvenes que triunfan en las novilladas? ¿Cuánto tiempo necesita un matador para demostrar que merece ocupar un lugar en las grandes ferias?

El toreo no puede permitir que el éxito de unos pocos oculte las dificultades de tantos otros. Porque el día que esas figuras falten, y algún día faltarán, habrá que llenar las mismas plazas con nuevos nombres.

También conviene reflexionar sobre el regreso del público joven. Es una magnífica noticia, pero sería ingenuo pensar que toda persona que acude por primera vez a una corrida se convierte automáticamente en aficionada. Y ahí aparece una responsabilidad compartida entre empresarios, administraciones, escuelas taurinas y el propio sector. No basta con vender una entrada. Hay que ofrecer razones para regresar: precios accesibles, programación atractiva, oportunidades para los jóvenes y una tauromaquia más cercana a quienes todavía la desconocen.

Llenar una plaza una tarde es un éxito. Conseguir que ese espectador vuelva al año siguiente es una inversión de futuro. Y no siempre parece que estemos trabajando suficientemente en lo segundo, salvo contadas excepciones.

Quizá uno de los mayores errores sea pretender explicar la realidad de toda la tauromaquia a partir de sus grandes escaparates. Madrid y Sevilla son fundamentales, pero también existen ferias con presupuestos ajustados, plazas que han perdido festejos y toreros jóvenes que terminan la temporada sin las oportunidades que sus méritos merecen.

Por supuesto, hay ejemplos extraordinarios de aficiones consolidadas, como Pamplona, y plazas que han conseguido fortalecer su abono. Precisamente por eso conviene analizar cada realidad sin caer en conclusiones generales.

Sería conveniente disponer de estadísticas nacionales homogéneas, públicas y comparables. No para restar valor a los éxitos, sino para saber dónde estamos y qué debemos mejorar. Porque una fotografía de una plaza llena puede ser magnífica, pero no sustituye a un diagnóstico.

No pretendo restar mérito a lo conseguido en 2026. Al contrario. Sería injusto no reconocer el esfuerzo empresarial, el atractivo de las figuras y la respuesta de una afición que ha demostrado que el toreo conserva una capacidad de convocatoria extraordinaria. Pero precisamente porque estamos ante una oportunidad tan importante, convendría no desperdiciarla celebrando antes de tiempo una victoria que todavía está por consolidarse.

El toreo necesita figuras, pero también nuevos nombres, oportunidades, empresarios capaces de arriesgar, plazas activas y una afición que no dependa exclusivamente de los grandes acontecimientos. Necesita pensar menos en cómo llenar la próxima tarde y bastante más en quién ocupará esos tendidos dentro de diez años.

Porque el éxito de 2026 no debería medirse únicamente por cuántas veces se ha colgado el cartel de «No hay billetes», sino por lo que seamos capaces de construir a partir de esos llenos.

Y esa es la cuestión que realmente debería preocuparnos. Una plaza llena demuestra que el toreo todavía tiene presente. Lo que no demuestra, por sí sola, es que tenga asegurado el futuro.

El poeta y ganadero que intentó criar toros con los ojos verdes, Fernando Villalón / por Andrés Amorós

Monumento a Fernando Villalón en Morón de la Frontera

«Que me entierren con espuelas
​y barboquejo en la barba,
​que siempre fue un mal nacido
​quien renegó de su casta».

Historias del 27
El poeta y ganadero que intentó criar toros con los ojos verdes, Fernando Villalón

Enterraron a Villalón como él quería: con su traje campero, botas y espuelas. Y algo más: con su reloj, en marcha, para que mantuviera vivo su tictac, durante algún tiempo


Andrés Amorós
El Debate / 8 Nvbre. 2026
Algunos personajes poseen una biografía – real o inventada – tan pintoresca que oscurece su obra literaria o artística. Ése es el caso claro del poeta Fernando Villalón. Lo resume Gerardo Diego:

«Una colección de sus anécdotas, una floresta de sus dichos valdría por la mejor biografía».

En síntesis, máxima, era aristócrata, poeta, teósofo, ganadero de reses bravas… Y amigo muy querido de los componentes de la Generación del 27.

En realidad, desde el punto de vista cronológico, Villalón era mayor que ellos. Había nacido en Sevilla en 1881: parecería lógico adscribirlo a la promoción anterior, la de Juan Ramón Jiménez, Gabriel Mirò y Ramón Pérez de Ayala, pero comenzó a publicar muy tarde, en los años de la Generación del 27.

Su primer libro, Andalucía la baja, apareció en 1926, cuando él tenía ya cuarenta y cinco años; dos años después, en 1928, publicó su poema gongorino La Toriada; el último que publicó en vida, en 1929, fue Romances del 800. Póstumo apareció su libro en prosa Taurofilia racial, escrito en 1925 pero publicado en 1956.

Quiere eso decir que su etapa de publicación se limita a tres años, de 1926 a 1929; es decir, de los cuarenta y cinco a los cuarenta y ocho años. Es un dato peculiar más de este escritor, que se singulariza por tantos motivos.

La leyenda que lo ha hecho más popular, por la que muchos lo recuerdan, cuenta que fracasó en su intento de criar toros de lidia que tuvieran los ojos verdes.

La versión más divulgada de esa leyenda es la que ofrece su amigo Rafael Alberti:

«Hacía tales trazos y combinaciones, con vacas traídas de lejanos países, que las crías, en vez de ostentar en los ojos el color perseguido, eran tan bravas y nerviosas que los toreros de aquella época – Joselito y Belmonte, sobre todo – se negaron rotundamente a torearlas».

Cuenta – más bien, creo yo, inventa – Ramón Gómez de la Serna lo que le decía Juan Belmonte a Villalón:

«Nada, chiquillo, que no se les puede torear. Que serían ellos quienes torearían y estoquearían al torero».

Aunque no pudo conocerlo en persona, porque llegó a España en 1934, cuatro años después de que falleciera Villalón, se hace eco de esa leyenda Pablo Neruda, en un poema de su Canto General, dedicado a su amigo Rafael Alberti:

«Aquellos campos con los toros de ojos verdes,
​que Villalón, amigo que tampoco
​me vino a ver, porque estaba enterrado…».

La versión más fidedigna la ofrece su primo Manuel Halcón, en un libro muy atractivo, Recuerdos de Fernando Villalón:

“Se ha dicho que pretendía criar toros con ojos verdes. Si lo dijo, sería una broma más de las que prodigaba. Él sabía mucho de genética para creer en ello. Lo que sí perseguía era criar toros con la característica de la antigua ganadería saavedreña, que presentaban como un aro verdoso, en el arranque de los cuernos (…)

«Tenía un sueño: criar toros antiguos. Algunos decían que, de ojos verdes, como de cornúpetos de mosaicos míticos. Otros, que, con cuernos de medialuna, que tenían en el nacimiento de la encornadura un extraño color verdoso… Y había quienes aseguraban que lo que pretendía era que sus reses tuvieran una vértebra más, para que no se cayeran en la fuerza de la lidia. Naturalmente, ningún diestro quería torear toros de Villalón».

Lo de los toros que tienen una vértebra más es también una leyenda que, hace años, se atribuyó a los toros del encaste Núñez, para explicar sus largas embestidas…

Cuenta también Halcón lo que le dijo a Villalón Rafael El Gallo, (respeto su fonética andaluza):

«Usté lo que tié que hacé é sacá toros que no meneen la cabeza en el capote, y los cuernos, déjelos usté en paz».

Cualquier aficionado a los toros entiende la raíz del problema. Por las ilusiones mitológicas que sean, pretendía Villalón volver a criar toros más fieros, más salvajes; es decir, los que se lidiaban en una etapa anterior de la Tauromaquia. El nuevo concepto lidiador (de Joselito) y estético (de Juan Belmonte) exigía ya otro tipo de toros: menos fiero, más noble.

Como precisa Jacques Issorel, su gran estudioso, la idea de Villalón iba a contracorriente de la evolución de la Tauromaquia. Por eso, su sueño resultó imposible y acabó vendiendo sus reses al matadero, para carne…

La biografía del poeta no se reduce a esta leyenda. Conviene recordar algunos datos ciertos de Fernando Villalón.

Procedía de una familia de la aristocracia: tenía derecho a un título nobiliario, que él nunca usó. Había nacido en 1881 en Sevilla, en la calle Alcaceres, la misma en la que murió Sor Ángela de la Cruz. Pasó una infancia feliz en la casa familiar de Morón, en ese ambiente rural que tanto aparecerá en sus poemas.

A los nueve años, lo enviaron a estudiar al colegio de San Luis Gonzaga de El Puerto de Santa María. Él lo sintió como una cárcel: así se lo dice en una dedicatoria a Juan Ramón Jiménez, su compañero de estudios:

«A Juan Ramón Jiménez, en recuerdo de nuestra niñez, encarcelada en los jesuitas del Puerto».

A los trece años, en Sevilla, a Villalón le impresionó profundamente presenciar el multitudinario cortejo fúnebre de El Espartero: fue el primer entierro que él vio. Lo evocará, años después, en su poema «Giralda, madre de artistas»:

«Ocho caballos llevaba
​el coche del Espartero».

En 1917, Fernando Villalón se unió a Concha Ramos, una sevillana de origen humilde (pero no gitana, como algunos han dicho). Ella fue su compañera sentimental toda la vida. Según su sobrino y heredero, Miguel Oliveros, «mi tía era una mujer guapísima, alegre y que le dio a Villalón un poco de centro a su vida». Los dos eran solteros, podían haberse casado: no se sabe por qué razón, no quisieron hacerlo.

Fernando Villalón se hizo masón y teósofo. Es un tema que ha dado origen a bastantes leyendas. Rafael Alberti lo llama directamente «hechicero» y «mago»: cuenta que, en la famosa juerga de Pino Montano, hizo con los poetas unos experimentos de hipnotismo, en los que pretendió utilizarlo a él como médium.

Sobre este tema, abundan las anécdotas pintoresquismos. Muchas, las recoge Manuel Barrios en su biografía del poeta, El sacristán del diablo.

Parece ser que Villalón sentía pánico a la muerte: dormía con la luz encendida y evitaba pasar por los lugares donde sabía que alguien había fallecido.

Cuentan que murió su administrador y que el entierro se retrasó, el féretro llegó al cementerio sevillano de San Fernando cuando ya estaba cerrado. Pretendieron entonces que Villalón lo acogiera esa noche en su casa, pero el poeta se negó radicalmente a albergar a un muerto: le dio al chófer mil pesetas, consiguió que lo metiera en el coche y lo tuviera toda la noche dando vueltas por las calles de Sevilla.

Una vez, llegó tarde a su tertulia, alegando que había tenido que ir a la estación de tren, «a despedir al Anticristo».

Buscando una experiencia espiritual, se encerró seis meses en un sótano, con una cabra y un sapo, comiendo sólo verdura.

Quiso secar las fuentes de un pueblo, como castigo de adúlteras…

No debemos quedarnos sólo en las anécdotas, por divertidas que sean: para Issorel, el esoterismo fue un factor esencial de la personalidad de Villalón.

Conviene recordar que el ocultismo tuvo notable importancia en ciertos ambientes culturales españoles, en los años veinte. Un dato: sólo en Andalucía hubo ocho ramas de la Sociedad Teosófica, fundada en Nueva York por la rusa Madame Blavatsky.

En España, difundió sus teorías el pintoresco escritor Mario Rosso de Luna, amigo de Valle-Inclán, que las utiliza en su ensayo de estética La lámpara maravillosa. (Ejercicios espirituales) y las menciona varias veces en El ruedo ibérico. También se interesó por ellas Blas Infante, el llamado «padre de la patria andaluza».

En concreto, Villalón perteneció a la sociedad teosófica sevillana Zanoni. Tomó ese nombre del protagonista de una novela del inglés Bulwer Lytton - el autor de la popular novela Los últimos días de Pompeya-, un personaje que vive aventuras fantásticas. Polemizó con esa sociedad – a pesar de su nombre – otra sociedad esotérica sevillana, La Fraternidad.

Presidió la Zanoni sevillana un interesante personaje, Manuel Brioudé, político republicano y difusor de la música clásica. De la importancia de esa sociedad dan muestras que editaba una revista mensual y que ocupaba un edificio completo, en la calle Sierpes. Allí dieron conferencias, entre otros, Fernando Villalón, Indalecio Prieto y Diego Martínez Barrios.

A Villalón le obsesionaban las leyendas mitológicas relacionadas con Tartesos. Por eso, vendió las fincas de olivos de Morón, que había heredado de su familia, y compró otras tierras en las marismas del Guadalquivir: la zona donde se supone que pastaban los toros de Gerión, hasta que vino a robarlos nada menos que Hércules, en uno de sus legendarios «trabajos».

Imaginó Villalón un «silfidiscopio»: un aparato para ver sílfides y ondinas. Intentó recrear el Paraíso Terrenal en una isleta desierta, en la desembocadura del Guadalquivir, a la que cubría periódicamente la marea:

«Con la idea de poblarla, decidió que un pobre matrimonio, a quien él llamaba Adán y Eva Benítez, viviera en aquel sitio peligroso. Y, efectivamente, cuando el agua subía, tragándose la isla, sólo quedaban en medio de las olas, asomados por los ventanillos de una garita que les había edificado, las aterradas cabezas de los esposos pobladores, pidiendo socorro».

Creía adivinar cuadros de Murillo debajo de cualquier óleo viejo: lo compraba y luego quemaba o rajaba el lienzo, para encontrarlo…

Como es fácil suponer, Villalón derrochó la herencia familiar en estos negocios. Pasados los cuarenta y cinco años, descubrió su vocación poética. Sin que él lo supiera, Manuel Halcón, su primo, llevó unos poemas suyos a Mediodía, la gran revista literaria del 27. Como los aceptaron, eso animó a Villalón a publicar, en octubre de 1926, su primer libro, Andalucía la baja, que le dio a conocer, como poeta.

Comprende ese libro poemas de dos tonos bastante diferentes. Al comienzo, versos largos, claramente influidos por Rubén Darío, como esta solemne Salutación:

«Ave, Híspalis inmortal de gratia plena.
​Ave, oh, Gades fenicia, la doncella
​más ilustre de Iberia…»

Luego, el poeta deja la historia y se acerca a lo que él contempla, cada día: los «Momentos de la ciudad», como la cofradía y el repique mayor de campanas. También, «Momentos del campo», como una noche de luna y un arroyo desbordado. Dedica poemas Villalón a un farolero, a un afilador, a un ciclista, a un «rufián que vende romances». Y ensalza los bailes populares: sevillanas, guajiras, alegrías, fandanguillos…

Menciona aquí Villalón las «Islas de Guadalquivir», que tantas veces cantará, en sus poemas:

«¡Islas del Guadalquivir!
​¡Donde se fueron los moros
​que no se quisieron ir!».

Aparecen ya algunos temas básicos suyos: el mito, el campo, el pueblo andaluz…

Gerardo Diego elogió este libro y a su autor, llamándole «poeta no profesional». Villalón aceptó ese calificativo, en una carta:

«Eso soy yo, un aficionado al grado cuarto, el arrepentido tardío. Qué bien ha visto la preocupación del que tantea, borracho de miedo a un ridículo que sus años y su bagaje de cosas pudiera sufrir, más que sus versos».

Cuando lo conocieron los poetas del 27, Villalón estaba arruinado y enfermo. Como ya he comentado, en mayo de 1927, Ignacio Sánchez Mejías quiso hacer un homenaje a Joselito, encerró en la habitación de un Hotel sevillano a Rafael Alberti, hasta que escribió «Joselito, en su gloria»:

«Llora, Giraldilla mora,
​lágrimas en tu pañuelo;
​lágrimas en tu pañuelo;
​la gracia toreadora…».

Cuando estaba escribiendo esto, Ignacio le presentó a su amigo Villalón, con esta frase: «Lo más grande de Sevilla». A Rafael, le pareció «un hombrón ancho, fuerte, con fiera planta de toro y ganadero, al mismo tiempo». Averiguó quiénes eran sus amigos:

«Los mayorales que guardaban sus toros, los gitanos, los mozos de toda la abigarrada servidumbre de sus fincas y cortijos, además de cuanto torerillo ilusionado rondaba sus dehesas».

Ese mismo año, 1927, Villalón creó, con sus amigos Adriano del Valle y Rogelio Buendía, la revista poética Papeles de aleluyas, que se publicó en Huelva y Sevilla. En diciembre, como ya sabemos, participó en los actos fundacionales de la Generación.

A los poetas del 27, les impresionó mucho la singular personalidad de Villalón y le cogieron gran afecto. Así lo recordará García Lorca:

«El más extraño, el más fantástico y el más andaluz de todos nosotros».

Solía repetir Federico esta muletilla:

«Las cosas de Fernando…»

Coincidía con Dámaso Alonso:

«No se parecía a nadie».

Y con el que mejor lo conoció, Manuel Halcón:

«Un hombre distinto de todos los que conocí. Vivía abierto a lo que él amaba por encima de todo: lo extraño… No cabía en los moldes de la vida corriente».

Al año siguiente – le escribe a Mauricio Bacarisse -, Villalón estaba «hecho una calamidad… un avestruz de agua dulce sin rumbo y sin punto de apoyo donde afirmar su personalidad».

Ese año, Emilio Prados le publicó a Villalón, como suplemento de Litoral, el poema en silvas La Toriada, dedicado a Ignacio Sánchez Mejías.

Se trata de un claro homenaje a don Luis de Góngora, igual que la Soledad tercera, de Alberti, y la Fábula de Equis y Zeda, de Gerardo Diego.

Para Aleixandre, es «la obra más gongorina de la época». Verse publicado, al lado de sus amigos, suponía el pleno reconocimiento de Villalón como miembro de la Generación del 27. Utiliza en este libro la técnica gongorina para elogiar la belleza y el origen mítico de los toros marismeños.

En 1929, la misma editorial le publicó sus Romances del 800: el libro suyo que conserva mayor atractivo, para un lector actual.

Para José María de Cossío, sus versos son «un producto natural del campo sevillano»: no nacen de los libros, sino de sus impresiones directas, vividas, que él sabe expresar con garbo y gracia espontáneos.

Alabaron mucho la poesía de Villalón sus amigos, aunque fuera muy diferente de la que ellos escribían. Por ejemplo, García Lorca: «Era un poeta de una fuerza primitiva extraordinaria». Dámaso Alonso: «Su poesía brotaba con una naturalidad casi salvaje». Bergamín: «Escribía como respiraba. Un poeta de raza». Jorge Guillén: «Aportó una Andalucía distinta, misteriosa y esencial». Y Aleixandre: «Un poeta de raíz profunda».

Más allá del afecto personal, muy pocos han merecido elogios comparables de unos poetas tan exigentes…

En noviembre de 1929, arruinado y enfermo, Villalón se trasladó a Madrid, con su inseparable compañera Concha. Parece ser que su hermano le pagó las deudas, con la condición de que no volviera a Sevilla. Dicen algunos que fue a la capital a esperar su muerte…

Todavía participó en algunas tertulias literarias madrileñas. Ramón Gómez de la Serna cuenta (probablemente, inventa, pero no del todo) su diálogo, en el café, con Valle-Inclán:

«Intercambiaban mentiras. Don Ramón le hablaba de las flores misteriosas y fosforescentes que había en su pazo, y él entonces le contaba cosas de los patos misteriosos de las marismas, que corren con pies de fantasmas».

Fernando Villalón falleció en Madrid el 8 de marzo de 1930. Dejó como heredera universal a Concha. Para ayudarla, Ignacio Sánchez Mejías le compró la biblioteca. (Jacques Issorel la estudió, pero no se sabe dónde han ido a parar sus fondos). Ella murió en 1980.

Todavía se publicaron, póstumos, algunos hermosos poemas de Villalón, de estilos variados. Por ejemplo, este singular poema de amor:

«Incendia tu cuerpo en el mío y simula una evasión del presidio
​de la normalidad
​y, con una aurora en cada mano, paladearemos juntos el placer
de la alegría sin trabas.
​Haremos poemas como nos dé la gana.
Con la pluma o con el cuerpo.
Sin ropa de nadie».

Enterraron a Villalón como él quería: con su traje campero, botas y espuelas. Y algo más: con su reloj, en marcha, para que mantuviera vivo su tictac, durante algún tiempo…

Lo había pedido en uno de sus inolvidables poemitas:

«Que me entierren con espuelas
​y barboquejo en la barba,
​que siempre fue un mal nacido
​quien renegó de su casta».

Eso, renegar de su casta, es lo que por nada del mundo habría hecho Fernando Villalón.